Cette semaine nous avons un taquet entre Quentin et James , un petit bilan du BO US et deux critiques de films attendus : Precious qui risque de faire son petit effet cette nuit aux Oscars et Alice de Tim Burton, qui lui ne fait pas son petit effet malgré la 3D.

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Synopsis : Alice (Mia Wasikowska) approche de ses 20 ans, et depuis son enfance, est hantée par des cauchemars d'un monde étrange peuplé par des créatures mystérieuses. Le jour où le jeune et arrogant Hamish Ascot la demande en mariage, elle s'enfuit à la poursuite d'un lapin blanc,  puis bascule dans un terrier qui semble sans fin... Elle atterrit dans le monde de ses rêves. Certaines des créatures la reconnaissent et voient en elle leur sauveuse, pour combattre la Reine Rouge et le Jabberwock.

Notre avis : Un film de Tim Burton est toujours un événement, même si pour beaucoup de fans la déception s'installe de plus en plus à chaque nouvelle réalisation.

Proposer une suite à Alice in Wonderland en adaptant De l'autre côté du miroir était un pari osé, qui, sous les doigts du magicien du cinéma fantasmagorique, pouvait réconcilier le maitre et son art, époque Beetlejuice, Batman, Ed Wood, Edward aux mains d'argent, Mars Attack ou même Sleepy Hollow. Bref, que l'on retrouve un peu de noirceur et de cynisme, mais du vrai, du dur, pas du gothique édulcoré à la Sweeney Todd, pâle caricature de toutes les possibilités créatives du cinéaste.

Au début, on y croirait presque : charme et maquillage blafard d'une Alice exquise de décalage dans ce monde victorien si rigide. Et puis l'arrivée dans Wonderland/Underland est une petite merveille en soi, des textures, des couleurs, une luxuriance du décor plaisante à l'oeil, mystérieuse à souhait, où l'ambiance est posée : nous sommes dans un Tim Burton semblant renouer avec ses bonnes vieilles traditions, avec même un soupçon d'imaginaire visuel emprunt à Terry Gilliam. Le design plutôt spectaculaire des créatures et de la Reine Rouge (Helena Bonham Carter) ainsi que le casting 5 étoiles ne faisant que confirmer ces premières impressions.

Et puis... Disney semble avoir arraché les rênes à son réal' au cours du film, faisant perdre à Alice toute sa splendeur. Oscillant autant visuellement que narrativement entre Narnia et La Boussole d'Or (et parfois Harry Potter, Disney ratisse large), la magie n'opère plus vraiment, si ce n'est à travers les présences fortes heureuses d'un Johnny Depp parfait en Chapelier Fou émouvant et d'une Anne Hathaway « délicate » en Reine Blanche.

Tout semblait être présent pour déguster pendant presque deux heures un délice cinématographique, mais il manque à cette recette l'assaisonnement nécessaire pour relever le goût et sublimer le parfum. L'intrigue est fade, sans véritable enjeu, sans aucune empathie pour les personnages. Pire, Alice parait s'ennuyer autant que le spectateur par moments (la preuve, cachée derrière mes lunettes 3D, j'ai réussi à m'assoupir quelques instants). L'humour absurde et impertinent, pourtant présent dans les contes de Lewis Carroll et le dessin animé, est quasiment inexistant ici. Et quand il surgit enfin, c'est souvent pour tomber complètement à plat. L'esprit ludique et déjanté du « joyeux non-anniversaire » manque cruellement.

Malgré tout, nous sommes dans un film de Tim Burton (je vois bien, fan fidèle, ton désappointement face à la lecture de cette critique amère et je souhaite te rassurer un peu) : Alice au pays des merveilles reste un spectacle cinématographique de bonne facture, mais simplement loin d'être à la hauteur de ce dont est vraiment capable le génie subversif Burtonien. Finalement, il y a 60 ans, Disney, dans son long-métrage d'animation, avait pris plus de risques qu'en 2010.

Un conseil donc : mieux vaut (re)voir le dessin animé avant de se rendre en salle le 24 mars pour apprécier par soi-même ce nouvel « Alice ».

Caro

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L'évènement date d'il y a presque une semaine, mais il m'a paru bon de le relayer, avec un certain recul.
C'est cette fois ci grâce à l'agence Edelman que nous avons pu nous rendre mercredi dernier dans les très agréables locaux de Microsoft France pour assister à une conférence de presse avec deux des développeurs du studio Remedy, puis à un essai manettes en main de leur prochain jeu en exclusivité sur Xbox 360, Alan Wake, un des prochains hit en puissance.

Le pitch
En manque d'inspiration pour ses romans, Alan Wake et sa femme décident de s'installer quelques temps dans la jolie ville de Bright Falls. Très rapidement, la situation va dégénérer et plonger dans l'horreur et le surnaturel, plus précisément dans l'imaginaire surnaturel de l'auteur, que l'on pourra suivre en vivant l'aventure et en récoltant des pages de manuscrit à travers le jeu. "A story coming true", comme ils disent chez Remedy. Joli prétexte pour mettre en place un "semi-survival horror".

La conf de presse : présentation du jeu
En seulement 20mn de conférence, Tim et Oz, développeurs chez Remedy, ont su nous jeter leur poudre aux yeux, et force est donnée de constater que ça a bien fonctionné: pendant que l'un nous donnait de nombreux détails sur le jeu en général, l'autre parcourait une partie du jeu en live, devant un parterre de bloggeurs et de journalistes spécialisés, repartis impatients de mettre les mains sur une version finale, prévu pour le 21 mai de cette année.
Depuis un an que le jeu est terminé ("jouable du début à la fin"), Remedy peaufine son bébé. Les mauvaises langues diront qu'ils ont attendu un meilleur contexte économique pour le sortir. C'est certainement vrai, mais ils ne se sont visiblement pas tournés les pouces pour autant: le niveau montré, une partie de l'intro du jeu, présentent les nombreuses interactions possibles avec les différents décors, le gameplay à la troisième personne, et surtout, ô surtout, les lumières et ombres dynamiques de toute beauté,...

"Lights (and shotguns) vs Darkness"
D'ailleurs, en parlant des lumières, ce ne sont pas que des attraits graphiques, mais aussi l'élément principal du gameplay: on combat les "Taken", ces "zombis" nouvelle génération fait de ténèbres, avec nos lampes torche. Et avec des shotguns. La lumière les aveugle et leur fait assez mal; il ne reste plus qu'à les achever avec votre arme préférée, à choisir parmi un arsenal digne de tout bon Resident Evil.
Votre lampe torche vous permet également de révéler des messages laissés à votre attention par ... on ne sait pas qui, appelons la Bla. Cette brave Bla vous laisse donc tantôt un parcours fléché vers des munitions, des soins, du café (d'ailleurs, si quelqu'un a compris à quoi sert le café dans le jeu...), tantôt quelque message important pour trouver votre chemin ou suivre le scénario. Véritablement utile ? Le premier niveau faisant office de tutoriel, on ne saurait vraiment dire !

"Previously..."
En plus de ce gameplay light based, deux autres éléments m'auront bien marqué dans cette présentation: le soucis de montrer toutes les finesses du niveau (les gars étaient plus que rôdés pour leur présentation, un vrai show), et surtout le soin général apporté au montage et à la réalisation. On se croirait dans un épisode de Lost (influence par ailleurs confessée), chaque "niveau" étant même nommé "épisode" (le jeu étant alors une saison): la structure narrative est celle d'une série TV (Chaque "épisode" est composée d'une phase de jour, de la tombée de la nuit et ce qui s'ensuit à base de cauchemards, puis d'un refuge par exemple); chaque épisode commence par un "Previously, on Alan Wake", et finit par un "To be continued..."; il y aura des cliffhanger à foison; les cadrages/mouvements de caméras sont plutôt intelligents (c'est assez rare dans un jeu pour le noter!)... Tout pour contenter les accros aux TV shows !
Néanmoins, une seule fin est prévue; on peut donc s'attendre à un scénario (et un parcours) assez dirigiste. Dixit les développeurs, une bonne partie du scénario est cependant optionnelle, à découvrir à travers les interactions avec les décors, pnj,... (ça rappelle quand même fichtrement le système des cassettes des deux Bioshock, damned)

Bonus !
Dans les infos additionnelles données lors de la conférence de presse, on retient aussi cela:
- Initialement, le jeu était prévu en open world, i.e. que l'on parcours comme bon nous semble. Avec un scénario nécessairement scripté, difficile de maintenir cette ambition;
- Aucune compatibilité avec le système Natal n'est prévu, mais on n'en attendait pas vraiment;
- La difficulté est censé s'adapter au joueur. Difficile de juger sur un seul niveau;
- Si cette season 1 fonctionne bien, une season 2 est envisagée ! Des DLC sont d'ores et déjà prévu, bien que pas encore en chantier;
- En plus de Lost, on retiendra Lynch et Stephen Kings dans les influences notables;
- Une édition collector, sortant le même jour, contiendra en plus du jeu, sa BO et un livre de 140 pages en français retraçant la vie du personnage éponyme: des nouvelles, des interviews, des dossiers du FBI,...);
- Le 16 mars seront diffusés de nouveaux screenshots et un nouveau trailer.

La démo
Après la conf de presse est venu le moment de mettre les mains sur le joujou, et de le stresser un peu.
La démo était celle déjà présenté à l'X10 il y a quelques jours, mais rallongée. Pas de grosse surprise, donc. On a pu tester tout le premier épisode ainsi qu'une scène intervenant plus tard dans le jeu (un passage très... rock'n'roll !), le tout durant entre 1h et 1h30.
Mon impression principale est qu'1h30, c'est trop court pour mesurer la qualité du scénario (point sur lequel ont insisté les gars de Remedy), mais aussi parfois un peu long lorsqu'il faut se perdre dans la forêt à enchaîner les zombis. Heureusement, de bons sursauts et des angles de caméras bien pensés cassent fréquemment cette dernière impression.
Nous n'avons pu voir qu'un seul environnement, la forêt autour de la ville de Bright Falls, mais à la fois de jour et de nuit. Raaaah les lumières... Je vous ai parlé de ces lumières ? Le seul point qui les gachent un peu est cet étrange flou appliqué à tout rayon lumineux, un peu comme si l'on ouvrait les yeux après une nuit pas très reposante.
L'ambiance horrifique, et surtout la plongée dans ces horreurs est prenante et très bien amené, au point de se faire surprendre comme un bleu par de satanés corbeaux zombis, pour ne pas en dire trop non plus.

En 2 mots: Une impression plutôt bonne ! On a hate d'en voir plus !

En plus que 2 mots:
Les plus
- La réalisation (au sens cinématographique) ...
- ... soutenue par une bande son qui va bien; les différents thèmes s'adaptant très bien aux
- La découpe type série télé
- Les fracking beautiful jeux de lumières et leur intégration au gameplay
- Les interactions (on en voit pas mal dans le premier épisode, j'espère que ça continue dans les suivants)
- La salle de la conf de presse, décorée par quelques oiseaux morts et un loup empaillé

Les moins
- On n'a vu qu'un décor (forêt & cailloux): il y en aura d'autres ? Dans la presse, on ne voit pas encore vraiment plus varié :/
- Le kit du scénar à monter soi même, ou le fameux tape hunting;
- Des thermos de café planqués partout dans une forêt à moitié hantée, wtf ?

Bon, maintenant, il va falloir patienter jusqu'au 21 mai...

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Le 21 janvier dernier, j'ai été invitée par Gaumont (merci Pingoo) avec une petite dizaine d'autres blogueurs à aller découvrir La Rafle et sa réalisatrice Roselyne Bosch. J'avais vu la bande-annonce au cinéma et j'avais trouvé l'idée ambitieuse et originale. Avant de voir le film, Roselyne Bosch, qui finalisait le mixage avec son équipe, prit le temps de nous expliquer le sujet de son film : montrer la rafle du Vel' d'Hiv', qui n'avait jamais été abordée au cinéma français. Son choix de départ était de prendre le point de vue d'un enfant qui avait vécu la rafle, le Vel d'Hiv', les camps français, mais qui avait échappé aux camps de la mort. Après des années de recherches auprès des rares survivants, elle trouva celui qu'elle cherchait dans un enregistrement d'émission télé : Joseph Weismann. Il y expliquait qu'il avait pu fuir le camp français juste avant que les autorités ne les envoient dans les camps d'extermination. L'idée de départ de la réalisatrice pouvait se concrétiser et bénéficier de toute la crédibilité d'une histoire vraie. La passion de la réalisatrice pour son projet était très communicative et c'était avec un grand respect et beaucoup de curiosité que je voulais découvrir son film.

Malheureusement, j'ai plus eu les larmes aux yeux en écoutant Roselyne Bosch qu'en regardant La Rafle. Alors oui, c'est toujours gênant d'avouer qu'on a pas aimé un film sur la shoah. En fait, ce n'est pas la première fois que ça arrive. Je n'ai pas aimé La Liste de Schindler et La Vie est Belle. Voilà c'est dit. Certains pourront peut-être penser que je suis un monstre insensible mais à un moment, il faut distinguer Cinéma et Histoire. Et La Rafle, comme tant d'autres films sur le sujet, est en déséquilibre complet entre sa volonté de représenter la terrible Histoire dans toute sa vérité tout en reprenant tous les codes de mises en scène et d'écriture d'une oeuvre de fiction.

Alors oui, il y a des scènes très intéressantes dans La Rafle, parce qu'inédites : le Vel d'Hiv, sublimement reconstitué et le rôle des infirmières françaises (comme Annette, jouée par Mélanie Laurent), des médecins juifs (Dr. Sheinbaum, joué par Jean Reno, excellent dans ce rôle) et des pompiers (notamment le Capitaine Pierret, joué par Thierry Frémond) jusqu'à l'arrivée dans le camp français. Ces deux scènes m'ont captivée et émue, elles m'ont interrogée et m'ont donnée envie d'en apprendre plus. Mais ces deux scènes ne durent tout au plus qu'une demi-heure du film (alors qu'elles en sont pourtant le sujet même).

Le reste n'est que mise en scène clichée et "tire-larmes" alternant scènes intimes et empathiques des familles juives et des Justes et fausses images d'archives d'Hitler avec sa famille (écoutant du Wagner...) et de Pétain et Laval complotant dans leur bureau parisien. Le pire arrivant dans les dernières secondes du film, où je me suis rarement sentie aussi mal à l'aise dans une salle de cinéma : colère, non pas à cause du sujet traité dans le film (je ressens cette colère depuis l'adolescence à travers les livres et les documentaires sur les sujets concernant l'holocauste) mais dans ce choix cinématographique jurant comme une ultime fausse note dans une partition déjà bien hésitante. Pourquoi ? Dans quels buts ? Je ressens encore une grande colère pour ce film qui est passé à côté de quelque chose de grand, se réduisant qualitativement parlant à un téléfilm de France Télévisions. On ressent le travail documentaire de la réalisatrice, mais celui-ci est submergé par les vagues de pathos trop présentes, trop... grand public. Ce que je reproche finalement aussi à La Liste de Schindler et La Vie est Belle. Il y a des choses qu'on ne peut qu'évoquer, pas représenter.

Pourtant, tout comme ses prédécesseurs, je sais que ce film est nécessaire, et que le public se déplacera en masse, notamment les profs accompagnés de collégiens et lycéens. Le devoir de mémoire, que ce soit sous une forme ou une autre, est trop important pour condamner trop durement ce film. Et c'est peut-être tout simplement ça qui me met en colère : qu'on ait encore besoin de faire des films pareils, uniquement pour ne pas "oublier"...

Caro

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Ne connaissant pas le livre, la comparaison va être difficile, mais je ne pense pas qu'il soit possible de faire ambiance plus oppressante que celle mise en place par Scorsese. A peine les pieds à l'intérieur de l'enceinte de l'hopital, on se sent autant mal à l'aise que peuvent l'être nos deux Marshal : oppressant, conditions météo des plus difficiles et personnel hospitalier qui nous fait nous interroger sur les vrais buts des médecins présents dans cette institution.

Pour arriver à ça, il y a une réalisation précise et jamais laissée au hasard qu'on connaît de Scorsese ainsi qu'un montage impressionnant, qui met en valeur le casting aux petits oignons. A chaque film, je suis impressionné par les capacités de DiCaprio à rentrer dans ses personnages. Ce n'est pas une nouveauté de dire qu'il est le "De Niro" du 21ème siècle pour Scorsese, mais voir cette histoire se construire depuis 4 films fait que c'est aussi pour ça qu'on aime le cinéma (maintenant il ne tient qu'à lui de ne pas finir aussi sa carrière avec Meet the Fockers 13...).

Ne voulant pas rentrer dans les détails de l'intrigue, qui nécessite au minimum 2-3 visionnage selon Martin, Shutter Island est bien la claque cinématographique qu'on était en droit d'attendre. Et ce qui est bien avec 2010, c'est qu'on devrait avoir pour cette année la deuxième vague Scorsese avec sa série Boardwalk Empire actuellement en production et qui sera diffusée sur HBO.

A voir s'il est aussi bon à la télé qu'au cinéma.

Max

Shutter Island - bande annonce VOST

Edit suite commentaire de MG

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Aujourd'hui sort en salle la première oeuvre cinématographique de Tom Ford (qui en est à la fois scénariste, réalisateur et producteur). Tom Ford, c'est le couturier texan qui remit sur pied Gucci dans les années 90, donna un souffle nouveau à la maison Yves Saint Laurent dont il fut le directeur artistique au début des années 2000 et qui décida, au sommet de sa gloire de styliste, de se mettre au cinéma.

Tom Ford propose régulièrement pour ses produits des campagnes de pub « porno-chic » parfois censurées car pas toujours du meilleur goût (je vous laisse faire un tour sur google images pour apprécier par vous-même).

A Single Man est l'adaptation d'une nouvelle de Christopher Isherwood, Un Homme au Singulier (en français), publié en 1964, qui traite d'un professeur homosexuel qui ne parvient pas à faire le deuil de son compagnon. Christopher Isherwood est aussi connu pour avoir écrit la nouvelle « Adieu à Berlin » en 1939, que Bob Fosse adapta en 1972 avec son flamboyant Cabaret.
Le film est aussi produit par Chris Weitz (connu entre autres pour American Pie, The Golden Compass, Twilight 2).

On aurait pu s'attendre à ce que tous ces éléments nous offrent un film trivial, frivole, outrancier.
A Single Man est un film sensible, maitrisé, élégant.

Synopsis : Los Angeles, 1962. Depuis qu'il a perdu son compagnon Jim dans un accident, George Falconer, professeur d'université britannique, se sent incapable d'envisager l'avenir. Solitaire malgré le soutien de son amie la belle Charley, elle-même confrontée à ses propres interrogations sur son futur, George essaie sans trop y réussir de vivre «comme avant». Une série d'événements et de rencontres vont l'amener à décider s'il peut y avoir une vie après Jim.

A Single Man est concis dans la durée (à peine 1h30) et pourtant son réalisateur prend le temps de développer tout son univers visuel. Car finalement, dans ce film, tout se joue sur le magnétisme d'attraction et de répulsion des regards. Magnétisme de celui qui ne voit plus qu'à travers ses souvenirs, magnétisme de celle qui ne voit qu'à travers ses rêves d'avenir, magnétisme de celui qui s'ouvre à la vie, magnétisme de celui dont la vie s'est arrêtée si brusquement.

La mise en scène, lente mais sans jamais être lourde, fait la part belle au choix de compositions des plans et des couleurs qui révèlent à chaque instant l'état d'esprit de Georges, de son dégoût pour la vie sans Jim, de ses moments de joie et d'acceptation, de ces petits plaisirs de l'existence qui nous font (re)connaître les bonheurs simples.

Ce premier film à la maitrise formelle sophistiquée aurait pu sombrer dans une superficialité du propos, mais c'était sans compter un récit convaincant qui emporte le spectateur au ressenti des émotions de Georges et de Charley. L'enjeu dramatique est simple, mais c'est dans cette simplicité que nait tout la justesse du discours de Ford et Isherwood.

D'ailleurs, ce film est un écrin pour des acteurs au sommet de leur art : Colin Firth trouve enfin un rôle à sa mesure, lui permettant de déployer une palette d'émotions qui n'avait jamais été réellement révélée chez le britannique et Julianne Moore offre un personnage féminin d'une modernité détonante, dans cette Amérique anxieuse et manichéenne du début des 60's.

Vous l'aurez compris, ce film est d'une puissance rare et évite toute forme de pathos malgré les thèmes de l'amour et du deuil constamment présent. Tom Ford prouve qu'il est déjà un grand maître du cinéma qui a su déjouer, par sa sincérité et sa passion, les pièges d'écriture et de réalisation que connaissent habituellement les cinéastes en herbe.

Lors de leur séjour promo à Paris, Filmgeek et quelques autres bloggeurs ont pu rencontrer Tom Ford, Colin Firth et Julianne Moore grâce à CinéFriends et Mars Distribution. La rencontre fut charmante et pleine d'enthousiasme. Malheureusement, les photos et les vidéos étaient interdites (sauf un cliché que j'ai pu faire trop rapidement à la fin).

Tom Ford a évoqué son parcours dans la mode, et du fait qu'il ne pouvait pas exprimer véritablement son art à travers le stylisme. Se considérant comme un designer commercial, il a rapidement eu envie de trouver une nouvelle forme de création, plus sincère, au cinéma. Ce qu'il y a de plus important pour lui, c'est d'avoir finalement quelque chose à dire, de défendre un point de vue, ce que le cinéma peut offrir. Mais le cinéma et la mode ont le point commun de fabriquer des oeuvres de collaboration. C'est ce que Tom Ford voulait retrouver, le travail en équipe, en atelier.

A propos du récit de Christopher Isherwood, il a expliqué qu'il avait lu la nouvelle quand il avait 20 ans, et qu'il avait toujours su que ce serait son premier film. Il a pu rencontrer Isherwood, connaitre mieux son univers. A 40 ans, il a relu Un Homme au Singulier et a enfin compris toute la dimension spirituelle du roman, notamment dans la notion de vie au présent, du "vivre maintenant". Il se lança alors dans l'aventure cinématographique.

Colin Firth a confié que A Single Man était l'expérience la plus intense qu'il avait connue comme acteur, notamment sur cette façon que le film avait d'expérimenter le présent. Personnellement, il n'est pas un homme à vivre dans le présent, mais plutôt dans l'anticipation, et se mettre dans la peau de George lui a fait prendre conscience sur que ce qu'est "être dans le présent." Mais cela uniquement en jouant le personnage de George, car dans sa vie personnelle, rien n'a vraiment changé, il ne réussi toujours pas à vivre dans le présent (il ajoute même plus tard qu'il est probablement à 200km d'ici à ce moment précis, peut-être à Calais ou déjà en Californie : il a une relation très limitée au présent. Et quand on voit à quelle vitesse il a filé à la fin de l'interview, on le comprend davantage!)

Julianne Moore a donné quelques détails sur la façon dont le tournage s'est déroulé, notamment sur le fait que Tom Ford lui ai laissé beaucoup de liberté pour créer son personnage tout en lui donnant certaines règles dont elle avait besoin. Le point de vue de Tom Ford était important pour elle pour comprendre toute la complexité de Charley. Le plan où elle se maquille est son préféré, car tout est dit sur son personnage.  Ils n'avaient jamais tourné ensemble avec Colin Firth, ni ne s'étaient avant le film vraiment rencontrés (sauf une fois, dans un ascenseur à Toronto), elle a énormément apprécié travailler avec lui, surtout pour la joie de vivre et l'humour qu'il dégageait entre les prises. D'ailleurs Tom Ford avait parfois du mal à gérer la bonne humeur de ses deux acteurs : "Julianne était fantastique sur le tournage. elle pouvait bavarder avec Colin jusqu'au «action !» et immédiatement se retrouver dans son personnage avec son accent britannique."

Il faut savoir aussi que Tom Ford allait sur le tournage en costume, parce que cela fait parti de sa personnalité d'être toujours bien habillé, au grand étonnement de Colin Firth qui en 25 ans de tournage n'avait jamais vu un réalisateur aussi classe lors des tournages. C'est pour Colin Firth probablement une des raisons pour laquelle le monde du cinéma a accueilli Tom Ford avec beaucoup de scepticisme, parce que ce milieu n'est pas habitué à ça. Ce à quoi Tom Ford conclu : "Je suis au fond un peu comme Georges. Si l'extérieur est parfait alors le reste est parfait".

Finalement, dans la mode comme au cinéma, Tom Ford bouleverse les conventions et ça lui va bien... à nous aussi d'ailleurs.

Caro

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Les autres films ne sont pas encore datés mais titillent déjà notre curiosité !

Nowhere Boy de Sam Taylor-Wood avec Aaron Johnson, Kristin Scott Thomas et Anne-Marie Duff :

Neds de Peter Mullan :

Encore un baiser (Baciami) de Gabriele Muccino avec Stefano Accorsi, Vittoria Puccini, Claudio Santamaria.

Et en bonus, l'affiche de L'épine dans le coeur, le prochain film très attendu de Michel Gondry qui revient au documentaire après le très bon Dave Chappelle's Block Party :

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Cette semaine Rob revient sur la polémique de la bouffe et des policiers dans les UGC, Anderton se fait un rétro Star Wars et Jérome défend Peter Jackson. De notre côté, on fait la promo d'un pote qui touche en SFX

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Pour ce mois de février je vous propose deux films d'animations, très différents dans la forme et dans le fond, mais tous les deux excellents, originaux et destinés à tous les âges.

J'ai donc retenu tout d'abord Mary et Max, grosse surprise de l'année passée, ce film est un petit bijou d'émotion à découvrir d'urgences !

Le second film sélectionné n'est pas un second choix et ce n'est plus une surprise, puisqu'il s'agit du dernier Miyazaki : Ponyo sur la falaise.

Sinon ce mois-ci vous avez échappé à Victor quand-même ^^

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